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SITGES 2014
45º FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE FANTÁSTICO DE CATALUÑA

DEL 3 AL 12 DE OCTUBRE DE 2014


¿Estáis preparados para pasear por un campo de sueños? Os llevaré de la mano en un viaje onírico lleno de emociones en el que encontraremos todo tipo de sueños. Sueños mágicos, como los de "The Tale of princess Kaguya" y "Kiki's delivery service"; sueños tristes como el de "Giovanni's Island"; sueños como el de "Kundo - Age of the rampant", en el que los pobres ganan a los ricos; sueños de justicia como el de "Saint Seiya: Legend of Santuary"; sueños horribles, como los de "Yotsuya Kaidan, over your dead body" y "The five"; sueños divertidísimos como "The mole song - Undercover agent Reiji"; sueños trepidantes, en los que el corazón va a mil, como el de "Rurouni Kenshin" y "The raid 2"; sueños que dan rabia como "The world of Kanako"; sueños fabulosos como "Young detective Dee, Rise of the sea dragon". Finalmente, hay sueños de los que te despertarás bailando, como "Tokyo tribe", y otros sueños inclasificables como "Bayonetta - Bloody fate" y "Mad Sad Bad". En este campo de sueños de la 47a edición del Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya Sitges 2014 hemos encontrado el cine en estado puro, ¡¡¡¡sigamos soñando!!!!

    ANIMACIÓN JAPONESA

La primera parte del reportaje del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2014 está como siempre dedicada al anime. Este año nos ha traído las producciones más esperadas del momento: la nueva de "Los Caballeros del Zodiaco", la adaptación del videojuego "Bayonetta", la trágica "Giovanni's Island" y la última de las siempre ansiadas películas de Ghibli: "The tale of princess Kaguya". Ahora paso a compartir mis impresiones con vosotros.

SAINT SEIYA: LEGEND OF SANCTUARY
Director: Keiichi Satou
Duración: 93 min

"Los Caballeros del Zodiaco" (como la conocemos aquí los que la veíamos de pequeños) es probablemente una de las series de anime más conocida en España y a nivel mundial. El anuncio de una nueva película -después de seis años desde la última- hecha totalmente por ordenador, nos ilusionó a los que somos fans de la serie original y a la vez nos hizo temer el resultado final. Y en el Festival de Sitges 2014 la vimos por primera vez en España -en un pase doble junto con "Bayonetta: Bloody Fate"- y después de verla tengo que decir que me supo a poco, y me dejó un sabor agridulce.




Los Caballeros llamados "Santos" son los campeones de la esperanza, que siempre aparecen, desde la Era del Mito, cuando el mal amenaza al mundo. La historia comienza muchos años después de la "Guerra Santa", cuando Saori Kido -una niña preocupada por sus misteriosos poderes- es salvada del inesperado ataque de un asesino por un joven guerrero que se presenta como un "Caballero de Bronze" llamado Seiya. él y sus compañeros han entrenado desde pequeños para protegerla, ya que ella es la reencarnación de Atenea, la diosa griega de la guerra. Eso hace que su Cosmos -energía vital ilimitada que forma y rodea a todos los seres vivos- sea muy poderoso. Y para arrebatárselo, el Patriarca -la máxima autoridad humana del Santuario- ha colocado en el trono a una falsa Atenea y ha puesto de su parte a los poderosos guardianes de las 12 casas zodiacales, los Caballeros de Oro. Saori toma conciencia de su destino y decide ir al "Santuario" con Seiya y sus amigos donde tendrá lugar una desesperada batalla para salvar al mundo.

La producción de "Saint Seiya: Legend of Sanctuary" comenzó su andadura en el 2011 para conmemorar el 25º aniversario de la creación del manga, pero no fue hasta octubre de 2013 que se dieron a conocer el título y los primeros detalles del argumento, en el cual ha participado el propio creador del manga Masami Kurumada, como productor. La dirección corre a cargo de Keiichi Sato, director de "Karas", "Asura" y "Tiger & Bunny", que demuestra su buen hacer en las escenas de acción y de humor. La banda sonora instrumental raya un gran nivel, compuesta por Yoshihiro Ike, que ha trabajado en "Ergo Proxy" y "Tiger & Bunny" y el veterano Seiji Yokoyama, compositor de la banda sonora de la serie "Capitán Harlock" y la serie original de "Saint Seiya". Además, el tema principal, "Hero" fue compuesto y tocado al piano por Yoshiki, de la mítica banda X-Japan.

La película se basa en la emblemática saga de "La batalla de las 12 casas zodiacales", el argumento de la serie original. La idea era relanzar y adaptar la historia a los tiempos que corren, tanto a nivel técnico como argumental... vamos, un reboot. El problema es que, a pesar de contar con Masami Kurumada supervisando los cambios, el resultado final quizá no le guste a todo el mundo. Si se hubiese titulado de otra forma y no tuviera nada que ver con la serie, podría parecer una buena película. Pero si eres fan del original, hay demasiados cambios que hacen rechinar los dientes, empezando por el cambio de sexo al Caballero de Escorpión, que ahora es una mujer. Luego están cosas como que algunos personajes son excesivamente expresivos, y queda ridículo. Seiya parece que se haya tomado veinte cafés, de lo hiperactivo que está xD. El caballero de Cáncer parece una parodia del original, incluyendo una escena musical totalmente fuera de lugar. O que la historia queda demasiado abreviada en solo una hora y media. Todo esto hace que, al menos para mí, "Saint Seiya: Legend of Sanctuary" sea más una parodia que una buena adaptación de la historia que guardo en mi recuerdo. Sin embargo, si dejamos de lado todo esto, puede entretener y no se hace aburrida. El aspecto visual esta a la altura de una gran producción, aunque sin llegar al nivel de "Capitán Harlock", de la misma Toei Animation. Las escenas de acción són muy dinámicas, aunque al final abusa un poco del estilo de videojuegos como "Final Fantasy VII". El diseño de las armaduras es detallado y llamativo, pero no me acaba de convencer que les aparezcan máscaras en los cascos. Me recuerda a los Power Rangers ^^.



BAYONETTA: BLOODY FATE
Director: Fuminori Kizaki
Duración: 90 min.

Originalmente, "Bayonetta" es un videojuego de acción de PS3 y Xbox 360, dirigido por Hideki Kamiya -creador de la saga "Devil May Cry"- y producido por Platinium Games, y ha dado mucho que hablar. "Bayonetta: Bloody Fate", la esperada adaptación a la gran pantalla de la famosa bruja bailarina fue la segunda película que pudimos ver en el pase doble de anime junto con "Saint Seiya: Legend of Sanctuary".






Hace mucho tiempo, en un remoto lugar de Europa llamado "Vigrid", vivían los observadores de la historia: por un lado las Brujas de Umbra, seguidoras de la oscuridad y ligadas a los demonios, y por otro los Santos de Lumen, seguidores de la luz y aliados con los ángeles. Unas y otros tenían la responsabilidad de mantener el equilibrio entre ellos para proteger el mundo, pues una leyenda profetizaba que "La intersección de la luz y la oscuridad traerá calamidad a esta tierra".
Pero una Bruja y un Santo sucumbieron a la pasión y tuvieron un hijo, traicionando sus decretos. La mujer acabó encarcelada y el hombre fue desterrado, pero ya era tarde, la leyenda se había hecho realidad; según esta, el Ojo Derecho de la luz y el Ojo Izquierdo de la oscuridad rigen el poder de la creación. Cuando los dos ojos se junten, el creador Jubileus se reencarnará y un nuevo mundo renacerá. Esta es la voluntad de Dios y un mandato de los cielos.

El bebé prohibido poseía los poderes del Ojo Izquierdo, así que las brujas se hicieron cargo de ella, entrando en conflicto con los Santos. El conflicto creció hasta estallar en una guerra entre los ángeles y los demonios. El mundo se encaminaba hacia la destrucción. Murieron por igual multitudes de Santos y de Brujas y la guerra llegó a su fin. El recuerdo de su existencia cayó en el olvido. El bebé creció hasta ser una Bruja, pero fue escondida y sellada en un lugar secreto. 500 años después, la Bruja que cazaba ángeles ha regresado y se llama Bayonetta. De esta forma tan prometedora comienza la película.

A diferencia de otras adaptaciones de videojuegos a la gran pantalla se ha respetado el argumento, cosa que no impide tener que resumir y cambiar el orden de los acontecimientos, limitar la aparición de personajes como Enzo, y quitar bastantes de las luchas contra jefes finales, como Fortitudo (aunque este sí que sale), Lustitia, Sapientia, o la batalla contra la forma humana de Balder. También se ha mantenido el estilo visual propio del juego, como las posturitas que nos dedica Bayonetta, que seguro les chocarán a los que no conozcan la saga xD. Y dado el género al que pertenece, era imprescindible que las escenas de acción estuvieran muy bien coreografiadas. Por suerte, ahi se nota el estilo del director Fuminori Kizaki, que ya había trabajado en la dirección de la serie "Basilisk" y las OVAs de "Afro Samurai". Los personajes mantienen sus personalidades carismáticas: desde la provocativa y sensual Bayonetta, su formal y agresiva rival Jeanne, el Don Juan y torpe periodista Luka, o el reconocido armero e indiferente propietario del bar "Las Puertas del Infierno" Rodin.

La animación corre a cargo del estudio Gonzo, artífices de series como "Vandread", "Last Exile", "Basilisk" y "Gantz". Se nota su experiencia en las peleas, con una animación muy dinámica y un dominio del CGI excelente. Destaca sobretodo la épica batalla final a escala planetaria. La banda sonora está al mismo nivel que la del videojuego, incluso aprovechan varias piezas, como el tema de Bayonetta "Misterious destiny", y usan "One of a kind" para la batalla final, entre otras, pero es una pena que no se escuche la versión del "Fly me to the moon" que aparecía en el original. La película gustará a los fans del juego, y los que no lo conozcan se divertirán y pasarán un buen rato con Bayonetta.


GIOVANNI'S ISLAND
Director: Mizuho Nishikubo
Duración: 102 min.

Tras el cierre temporal del Studio Ghibli y el anuncio de la jubilación de Hayao Miyazaki, parecía que no iban a llegar más producciones de su estilo, y que todo serían películas basadas en series de éxito, o producciones enfocadas al público juvenil. Por suerte, otro de los grandes estudios de la animación japonesa, Production I.G., nos ha sorprendido con esta conmovedora historia de aires clásicos, que nos transporta a los primeros tiempos del Studio Ghibli.






El argumento de "Giovanni's Island" se basa en hechos históricos: a finales de la Segunda Guerra Mundial, en julio de 1945, tan solo los avisos casi diarios de bombardeo recordaban a los habitantes de la isla de Shitokan que estaban en guerra. Junpei y su hermano Kanta viven con muchas dificultades, pero aún así son felices. Sin embargo, tras la derrota de Japón, tropas soviéticas entraron en la isla, sacaron a la gente de sus casas y se instalaron ellos y sus famílias, forzando a los antiguos residentes a malvivir en los establos de sus propias casas.

Además, Junpei y Kanta también comparten ahora la escuela con Tanya, la hija de la família rusa que ha ocupado su casa. Y a pesar del sufrimiento que la situación les provoca, poco a poco van superando la barrera del idioma y surge una bella amistad. La tristeza que sentían al haberlo perdido casi todo se va desvaneciendo, pero la mano del destino los vuelve a golpear cuando se ven obligados a separarse de Tanya y abandonar su querida isla.

La historia se divide en dos partes: la primera transcurre en la isla, al final de la Segunda Guerra Mundial, con la ocupación soviética de la isla Shitokan, que aún a día de hoy es territorio ruso, y se conoce como el Conflicto de las islas Kuriles. En esta primera parte nos presentan a los hermanos y a su familia, las difilcultades que tienen para poder sobrevivir, y como se relacionan los habitantes de la isla con los soldados rusos. Una historia dramática pero esperanzadora, simpática y triste a la vez, vista con ojos infantiles. La segunda parte es mas oscura y dramática, con los hermanos y su familia desterrados y separados de su padre. A medida que avanza se vuelve más lacrimógena.

A nivel técnico, el estudio recrea muy fielmente la ambientación de la época, con una primera parte con tonos pastel y trazos irregulares (como si fueran las ilustraciones de un cuento infantil), y una segunda parte con tonos más oscuros y grises que reflejan la crudeza de las escenas. En cambio, los objetos tridimensionales no están bien integrados y contrastan demasiado. La banda sonora viene de mano de Masashi Sada con unas composiciones alegres y otras muy emotivas. Hay un momento muy divertido, que es cuando los niños se ponen a cantar en el aula, y cantan "La libélula roja", (una canción popular japonesa) mientras los niños rusos del aula de al lado se ponen a cantar "Katyusha", los niños japoneses van sustituyendo su canción por la "Katyusha" al perder la batalla por cantar más alto.

Durante toda la película se hacen alusiones a la clásica novela de Kenji Miyazawa "Night on the Galactic Railroad", como cuando los hermanos se imaginan que son los protagonistas del libro y nos regalan varios momentos entrañables. Hasta sus nombres, Giovanni y Campanella, son los mismos. En fin, un gran ejemplo de cine de animación, a la altura de "La tumba de las luciérnagas" o "Hiroshima", que sin embargo nos depara un último rayo de esperanza.


THE TALE OF PRINCESS KAGUYA
Director: Isao Takahata
Duración: 137 min.

Hablar de "la última de Ghibli" se hace repetivo: que si un gran director, que si una animación cuidada hasta el más mínimo detalle, que si una banda sonora impresionante, que si un cuento enternecedor... Esto. Es. Así. Pero para los escépticos, os recuerdo que cuando empezaba a verse anime por aquí, para defenderlo de los que decían que lo japonés era todo "sexo y violencia", bastaba con mencionar al Studio Ghibli para hacerlos callar. Todo el mundo había visto Totoro. ¿Y quién no se vuelve niñ viendo esa película?

Las producciones del Studio Ghibli son mágicas, pero no todo son cuentos de niños. El Studio Ghibli cuenta con Hayao Miyazaki como cabeza visible, pero no estaría donde está si no fuera por Isao Takahata, cofundador del estudio. Porque al igual que "Totoro" te pone una sonrisa en la cara, "La tumba de las luciérnagas" te pone lágrimas en los ojos de principio a fin. ¿Vosotros sóis más de Takahata o de Miyazaki? Si os van las tragedias duras, Takahata es vuestro director. Solo a él se le ocurriría coger el cuento más antiguo de Japón (El cortador de bambú, siglo X) y contarlo desde el punto de vista de la chica.

Antes de empezar, me gustaría hacer una aclaración sobre el título. No es que Kaguya no sea una princesa (en esta película se convierte en una, así que le pega), es que la palabra hime antiguamente significaba hija, igual que taroo significaba hijo. Dicho esto, paso a contaros el argumento de La hija del bambú, aunque ya deberíais conocerlo a estas alturas. En parte porque Kaguya también es conocida como la Princesa de la Luna... sí, lo habéis acertado, Naoko Takeuchi se inspiró en este cuento para escribir Sailor Moon. En fin, os lo explico solo a medias, luego veréis por qué.

Un buen día, un anciano cortador de bambú encuentra un tallo que brilla, y al cortarlo descubre a una niña del tamaño del pulgar en su interior. Junto con su anciana mujer, deciden adoptarla y criarla. El hombre sigue encontrando bambús brillantes, en cuyo interior encuentra oro al cortarlos. Así consiguen instalarse en la capital y darle una educación de lujo a la chica. Además, su belleza incomparable hace que le salgan pretendientes de debajo de las piedras. El día que es presentada en sociedad, cinco príncipes piden su mano. Cada uno la compara con un tesoro legendario, y ella, que no quiere casarse, les dice "¿ah sí?, pues si tanto me queréis, traedme esos tesoros". Se van por donde han venido con la cola entre las patas, y cada uno intenta en vano engañarla con falsificaciones de esos tesoros imposibles. Luego es el propio emperador quién intenta en vano llevársela a la corte. Para entonces, la pobre chica comienza a recordar de donde viene. No de un tallo de bambú, sino de la Luna, a la que debe regresar pronto, abandonando a sus padres adoptivos y a sus queridos amigos.

Me he saltado los detalles más dramáticos para explicarlos junto con la visión del director. No se trata solo de no hacer spoiler. Se trata de que cuando el público objetivo ya conoce la historia, una muy buena manera de hacerla atractiva es cambiar el punto de vista. Y ahora imaginaos a una chica de campo, criada entre gente senzilla, de repente rodeada de lujos, acosada por su belleza, y obligada a aprenderse un montón de normas de protocolo que no la dejan ni sudar, literalmente. No es de extrañar que este contraste produzca algunas de las escenas más memorables de la historia del cine, ya que sirven tanto para criticar a la aristocracia, como al ideal de princesa de cuento, como al machismo endémico de la región, al que no somos ajenos.

Ella ya tiene quien le quiera en su pueblo natal, pero la apartan de él. Convertirse en princesa no es ningún chollo, es estresante y frustrante, y no tiene nada de divertido, todo son prohibiciones, pero lo soporta en agradecimiento a sus padres adoptivos, por haberla cuidado tan bien. Uno de sus pretendientes no quiere engañarla y muere buscando su tesoro, lo cual le provoca un gran sentimiento de culpa. Los ataques de nostalgia son cada vez más fuertes, y por si fuera poco, la trampa final de provenir de otro mundo y tener que volver a marcharse es jodida por partida doble. Porque resulta que ella ya estuvo aquí, y para volver tuvo que olvidar todo lo que había vivido. Ahora la historia se repite, y esta vez sabe que volverá a olvidar lo bien que vivió entre los que la querían. Sus berrinches son estremecedores, y no puede ser de otra manera. Nadie antes había contado la historia de una manera tan personal y tan conmovedora.

La animación es escasa (para ser del Studio Ghibli), y el diseño de personajes y escenarios recuerda a la pintura en acuarela, lo que ayuda a crear una atmósfera de cuento, y el compositor habitual de Ghibli, Joe Hisaishi, se encarga espléndidamente de ambientarlo. Y entre el público, las respuestas de la chica a lo que es y deja de ser una princesa y a los avances de sus pretendientes (especialmente el emperador) provocaron sentidos aplausos. Esta película es una maravilla, y ya figura en el podio de lo mejor de la animación y del cine en general. La que posiblemente sea la última película del Studio Ghibli deja el listón donde siempre ha estado: a la altura de los clásicos.


CINE ASIÁTICO

La segunda parte del reportaje está dedicada al cine asiático. A esta edición ha llegado un gran número de producciones de calidad, destacando las de la industria surcoreana, que cada año se supera a sí misma.

MAJO NO TAKKYûBIN (KIKI'S DELIVERY SERVICE)
Director: Takashi Shimizu
Duración: 108 min
Reparto: Koshiba Fuka, Machiko Ono, Rie Miyazawa, Tadanobu Asano, Michitaka Tsutsui, Hiroshi Yamamoto, Miki Hayashida, Ryohei Hirota, Miho Kanazawa.

A veces pasan cosas raras en el mundo del cine fantástico, que ya es raro de por sí. Exceptuando a esos directores naturalmente polifacéticos, como Takashi Miike o Sion Sono, podemos encontrarnos con trayectorias a primera vista extrañas o muy extrañas. Como que Peter Jackson pase de dirigir zombis en "Mal gusto" y "Tu madre se ha comido a mi perro" a personajes con mucha fantasía en "Criaturas celestiales" y los mundos de Tolkien.
A estas alturas, pues, los aficionados al género ya deberían estar curados de espantos, ¿verdad?... pues no. Faltaba ver al director de "La maldición" y "Shock labyrinth" dirigiendo "Kiki's delivery service". Sí sí, la misma que animó Miyazaki en su día y que tantos otakus guardan calurosamente en su recuerdo. La de la brujita con la escoba y el gato negro que habla. Aunque a pesar del shock, lo cierto es que al menos temáticamente aún se guarda cierta coherencia en el tratamiento de los personajes, que suele mantenerse aunque cambie el género o el subgénero.

Y lo cierto es que si hablamos de terror, la perspectiva de tener que cambiar de pueblo, dejar atrás la família y ganarse la vida lejos de casa puede ser espantosa para mucha gente, sobretodo si es joven. Eso es exactamente lo que le pasa a Kiki, nacida en una família de brujos y con ganas de comerse el mundo. Pero para eso primero tendrá que demostrar lo que vale. Se irá a un pueblo remoto y vivirá de su magia durante un año para poder continuar como bruja... o fracasará y tendrá que vivir el resto de su vida como una mujer normal y corriente... y así termina en un pueblo donde no hay brujas, y con un único poder: volar con su escoba. Como tiene que ganarse la vida de algún modo y no sabe hacer otra cosa, decide montar un negocio de transportes y mensajería. Al principio tiene mucho éxito, pero hay gente en el pueblo que teme a las brujas, pues ya tuvieron malas experiencias en el pasado, y se la juegan a Kiki de manera injusta.

Por si no ha quedado claro, estamos hablando de una adaptación de unas novelas que ya quedaron inmortalizadas en animación. Es decir, ¿para qué ahora una versión con actores de verdad cuando tanta gente recuerda la maravilla de Ghibli? Bueno... a Takashi Shimizu siempre le ha gustado experimentar, y eso es lo que hace. Ves a Kiki montar en la escoba y echar a volar... y te lo crees. Porque ahí está el reto. En hacer verosímil lo imposible. Como que la gente recupere sus poderes después de un trauma que se los ha hecho perder. Hay dos personajes así en la historia, cuyos destinos se entrecruzan, y el resultado no puede ser más entrañable. Nada que ver con la emoción de la primera película. Allí, gran parte del dramatismo quedaba en manos estrictamente de la animación, cosa que es natural y cumple la misma función que los efectos especiales. Pero aquí, al no depender tanto del espectáculo, el peso de la emoción recae en las intrepretaciones, y tras verla nadie diría que las brujas no existen. Es de esas películas que te da un buen rollo... te pone una sonrisa en la boca que te dura todo el día. Definitivamente muy recomendable para descansar de tanto psicópata y tanto monstruo suelto.


DI RENJIE ZHI SHENDU LONGWANG
(YOUNG DETECTIVE DEE: RISE OF THE SEA DRAGON)

Director: Tsui Hark
Duración: 134 min
Reparto: Mark Chao, Angelababy, Shaofeng Feng, Carina Lau, Kun Chen, Dong Hu, Bum Kim, Chien Sheng.

La primera película de Detective Dee, interpretada por un magistral Andy Lau, ya dejó muy buen sabor de boca: una mezcla de Sherlock Holmes en las últimas, en la china del Wuxia (artes marciales con cables y magia), una emperatriz déspota, -su némesis, que merece ser destronada- y un último favor que hay que hacerle a regañadientes, liberarla de unos malvados que usan toda clase de artilugios y tretas, a cual más fantástica, todo con unos efectos especiales para caerse de espaldas. Aquello tenía que continuar. Pero era el final de la historia... así que nos han regalado un montón de precuelas.

A mi me hubiera encantado ver a un Andy Lau caracterizado para parecer más joven, pero en lugar de eso han cogido a otro actor. Bueno, al menos es majo, este Mark Chao. Y si el primero era un Sherlock, este ya parece un ordenador con patas. Lo recuerda TODO: caras, nombres, funciones, dialectos... y la peli nos deja ver su imaginación, detectando armas escondidas, imaginando una persecución sobre un mapa que se vuelve tridimensional... y por si fuera poco, la intriga tiene varios frentes y múltiples tramas entrelazadas. O sea que el aburrimiento se queda en la puerta del cine y no lo volverás a coger hasta que acaben con todas las precuelas.

El argumento está tan enrevesado que hasta el último detalle tiene al menos dos escenas en las que pasa algo relacionado, y eso te obliga a prestar mucha atención desde el principio hasta el final. Porque cuando piensas que ya está todo solucionado y se va a acabar la película... ¡¡nooo!!, ¡¡aún quedan misterios por resolver!!, de los que ya ni te acordabas. Tras una demostración de efectos especiales en la que un monstruo marino se carga una flota casi entera, vemos a Dee llegando a su nuevo puesto de trabajo en el Ministerio de Justícia. Nada más llegar desbarata un secuestro, pero solo en esta escena ya han aparecido todos los protagonistas y se han mezclado todas sus motivaciones. La persona secuestrada es una preciosidad que iba a ser sacrificada para apaciguar al monstruo. La emperatriz manda a un oficial a impedir que el monstruo vuelva a atacar... bajo pena de cortarle la cabeza si no lo consigue en diez días, para dejar claro lo mucho que hay que odiar a esta creída. Y resulta que hay dos grupos involucrados en el secuestro: unos enmascarados y una persona con aspecto de monstruo marino, pero nadie es lo que parece a primera vista. Ver como se desenreda la madeja es tan placentero como comprobar que si antes teníamos a los 300... en Hong Kong por lo menos tienen a los 600. ¡Esto! ¡Es! ¡Hong Kong! En serio, es verlo para creerlo. Como cuando a Dee le dan un caballo que "no es muy bueno sobre tierra, pero es el mejor bajo el agua". Ahí queda eso.

¡Ah! Y al final nos dan otro placer. ¡Vemos un aperitivo de los misterios que tendrá que resolver en las próximas películas! Qué pena que no pude contarlos. A ver si aprenden en el resto del mundo. Que no cuesta tanto mezclar un buen misterio con elementos sobrenaturales y acción por un tubo. No hace falta que lleguen a este nivel. Solo hace falta que sean superentretenidos. Claro que igual hace falta un Tsui Hark detrás de la cámara... pero bueno, nadie ha dicho que aquí lo hagamos mal, todo lo contrario. Es una pena que cosas así sean tan difíciles de producir en nuestro país. Luego dicen que hay piratería... claro, como cualquier cosa que venga de fuera tiene infinitamente más glamour... ¡¡hay que ponerse las pilas!!


KUNDO: MIN-RAN-EUI SI-DAE
(KUNDO: AGE OF THE RAMPANT)

Director: Jong-bin Yun
Duración: 137 min
Reparto: Jung-woo Ha, Ye-ri Han, Man-shik Jeong, Dong-won Kang, Hae-suk Kim, Seong-gyoon Kim, Kyeong-yeong Lee, Sung-min Lee, Dong-seok Ma, Ji-hye Yun.

Una película de acción coreana... bien. De época... uy. Basada en hechos reales... hmm. Vamos, aspecto medieval y artes marciales. No sé, no sé. No tenía yo muy claro lo que iba a ver cuando leí el programa. Tenía algo de miedo por si era un tostón, pero también me intrigaba ver qué tipo de acción saldría. Por suerte, todas las sorpresas fueron agradables. Incluso el final es inesperado, por el giro que da un personaje clave.


Siglo XIX, a finales de la dinastía Joseon, tras una serie de desastres naturales. El país en ruínas, la gente muriéndose de hambre, pillando todas las enfermedades, y ¿qué hacen las autoridades?... pues lo que han hecho siempre en todas partes: lucrarse a costa de los pobres. Y ¿quién aparece?... pues una milicia decidida a darle la vuelta a la tortilla. Pero, lo que podría haberse quedado en una simple traslación del mito de Robin Hood, se convierte en otra cosa gracias al contraste entre Dolmuchi, un carnicero -lo más bajo de lo más bajo- y Jo-yoon, hijo ilegítimo de un governador y una prostituta. La cosa es enrevesada y macabra: Jo-yoon busca un asesino para quitarse de en medio a sus hermanos y asegurarse la herencia. Encuentra a Dolmuchi y le ofrece más dinero del que jamás verán sus ojos. Y cuando este se niega por principios, Jo-yoon va y mata a su madre y a su hermana delante suyo. Él es el siguiente, pero aparece el clan Chusul (los Robin Hoods) y le salvan la vida, tras lo cual Dolmuchi se une a ellos encantado, pensando en el momento de la venganza.

Por toda opinión, baste decir que fue récord de taquilla en su estreno (y no sé por qué, todo el mundo menciona que el título le duró una semana; pues vale, ¿y qué? un récord de taquilla es un récord de taquilla, ¿no?). Como decía antes, al placer de ver cómo unos pobres apalizan a unos ricos para redistribuir sus bienes, se une la desdicha de Jo-yoon. Sí, comete atrocidades, pero la película se asegura de que sientas pena por él. Su padre primero lo acepta, pero luego lo rechaza, y su madrastra lo odia profundamente. Por otra parte, el estilo de la película es una mezcla de cosas guays, como esos chistes que seguro que nadie decía en su época, y el añadido de una chica con escenas de lucha molonas y sin pelos en la lengua.

En resumen, una gran sorpresa, muy agradable, visceral a ratos y apta para todos los públicos... me refiero al público de este tipo de cine, claro. El final es muy chocante, al menos yo no me esperaba eso de él (no diré quién), y ciertamente riza el rizo del entretenimiento que ofrece la película. Muy recomendable.







DEO PAIBEU (THE FIVE)
Director: Jung Yeon-Sik
Duración: 123 min
Reparto: Kim Seon-ah, On Joo-wan, Ma Dong-seok, Sin Jeong-geun, Jeong In-gi, Lee Cheong-ah.

El director Jung Yeon-Sik nos sorprende con su ópera prima "The Five": una historia de venganza basada en un Webtoon *1, un género en que los cineastas surcoreanos son unos expertos, como lo llevan demostrando desde hace años, con la trilogía de la venganza de Park Chan- wook, o la visceral "Encontré al Diablo" de Kim Ji-Woon.






La trama gira en torno a Eun-ah (Kim Sun-A) una mujer que vive felizmente con su marido y su hija hasta que un día un asesino en serie entra en su casa mientras están durmiendo, y solo ella sobrevive a la matanza, muy malherida. La vida Eun-ah se vuelve oscura y deprimente: su familia está muerta, todavía no han pillado al culpable y ella ha quedado en silla de ruedas. Desesperada y al borde del suicidio, urde un plan para dar caza al asesino. Estando ingresada en el hospital conoció a cuatro personas que esperaban un trasplante de órganos urgentemente, pero la escasez de donantes les alargaba el martirio. Así, el plan de Eun-ah es ofrecerles sus propios órganos a cambio de prestarle ayuda en su última y maquiavélica misión: cazar y matar al asesino de su familia.

Parece ser que la venganza corre por las venas de los cineastas surcoreanos, y cuantas más películas de este país veo más se confirma mi teoría: retratan como nadie el sufrimiento humano y el deseo de las víctimas de ensañarse a gusto. En "The Five" no solo vemos retratada la horrible experiencia de Eun-ah, sino que también se cuestiona el deficiente sistema sanitario coreano. En concreto, las interminables listas de espera de los transplantes (un tema también muy delicado en nuestro país), igual que en "Sympathy for Mr. Vengeance" de Park Chan- wook.

Filmada en Seúl en tan solo once semanas, "The Five" hace gala de un elenco de actores admirable, destacando sobretodo la interpretación de Kim Sun-A que, después de un retiro de la televisión de cinco años, vuelve con una interpretación desgarradora, plasmando de forma contundente la evolución de su personaje. Después de sobrevivir a esa experiencia horrible, vemos como borra toda luz y expresividad de su rostro, que se vuelve cada vez más oscuro; y el resto del reparto tampoco se queda atrás, manteniendo el suspense, pero sin dejar de lado el típico humor que gastan en Corea del Sur. Mención especial para Park Hyo-ju en el papel de Hye Jin, la fanática religiosa que le hace compañía a Eun-ah, por ser el personaje cómico que resta tensión al film y que nos hará soltar más de una carcajada. Y no podemos olvidarnos del asesino, interpretado por On Joo-Wan, -presente anteriormente en el Festival de Sitges con la brutal "City of Violence"-. La frialdad y la impasibilidad de la que hace gala mientras tortura es sublime, y su sola presencia ya infunde terror.
Nadie diría que esta es la primera película dirigida por Jung Yeon-Sik, que también se encargó del webtoon (1) en el que se basa el film. Ha hecho un muy buen trabajo, tanto en la dirección de los actores como en el montaje, con una ejecución de las transiciones brillante y un uso de los flashbacks inteligente, dignos de cualquiera de los mejores directores surcoreanos actuales. Conseguirá que el espectador se agarre a la butaca mientras presencia horrorizado los macabros actos de este psicokiller. Espero con impaciencia los siguientes trabajos de Jung Yeon-Sik, a ver con qué nos sorprende en su próxima película.

*1: Un Webtoon es un "manhwa" -cómic coreano-, dispuesto en tiras de imágenes en vertical, que se publica en sitios como Naver o Daum.


A HARD DAY (KKEUT-KKAJI GANDA)
Director: Kim Seong-hoon
Duración: 111 min
Reparto: Lee Seon-gyun, Cho Jin-woong, Jeong Man-shik, Sin Jeong-geun, Shin Dong-mi, Kim Dong-young.

"A Hard Day" solo es la segunda película del director Kim Seong-hoon, pero nadie lo diría. Para ser un thriller coreano tiene menos violencia, acción y suspense de lo habitual, cosa que se agradece mucho. Se trata de una historia simple, pero muy bien dirigida, contada con gracia y muy bien tramada, que me sorprendió gratamente.






El día comienza con un policía que se dirige a toda velocidad al entierro de su madre pero... entre las llamadas de su hermana, las peticiones de su hija y las preocupaciones de su trabajo... atropella a un vagabundo. Y eso en plena crisis interna por corrupción en su departamento. Así que, como ya tiene bastantes problemas, mete el cadáver en el maletero y pisa el acelerador. Cuando por fin llega, recibe una llamada advirtiéndole de que van a registrar su casa y su coche, con lo que frente al ataúd de su madre... decide que ha encontrado el lugar ideal para deshacerse del cadáver... al menos por un tiempo.

A partir de esta premisa, la película poco a poco va in crescendo, y lo que comienza con un atropello accidental se convierte en algo gigantesco, con muchas partes implicadas, subtramas que se van entrelazando, personajes que conocen solo parte de los hechos… en fin, que aquí la verdadera protagonista es la historia, con un guión muy bien pensado para mantener a los personajes ajetreados y a los espectadores con ganas de saber como acaba todo.

Viendo otras películas del festival como "The Five", que también es la ópera prima de Jeong Yeon-shik, parece que los cineastas surcoreanos lo lleven en la sangre, esto de producir obras maestras a la primera de cambio. Con tan solo dos guiones de comedia negra a sus espaldas, Kim Seong-hoon ha sorprendido a todo el mundo escribiendo y dirigiendo esta mezcla de comedia negra y thriller criminal. Los personajes son poco carismáticos, con sus defectos y sus manías, que los hacen muy humanos y verosímiles. Sobretodo el protagonista, interpretado por Lee Sun-kyun, un personaje con el que resulta fácil meterse en su pellejo y nos hace creer que haríamos lo mismo en su situación. También es destacable la interpretación de Cho Jin-woon -que hace de malvado, y a quien vimos en la excepcional "Hwayi - A monster boy"-.
En definitiva, una película muy entretenida con un guión espectacular, y con momentos inolvidables y muy divertidos.


MOGURA NO UTA SENNUU SOSAKAN REIJI
(THE MOLE SONG: UNDERCOVER AGENT REIJI)

Director: Takashi Miike
Duración: 130 min
Reparto: Tôma Ikuta, Shinichi Tsutsumi, Riisa Naka, Takayuki Yamada, Takashi Okamura, Yusuke Kamiji, Mitsuru Fukikoshi, Sarutoki Minagawa.

Por si alguien había perdido la esperanza de volver a ver al Takashi Miike de la comedia absurda, aquí va este regalo en forma de adaptación de manga: "La canción del infiltrado" de Noboru Takahashi. No se trata de un manga cualquiera, es de esos tan largos que ya lleva más de 40 tomos recopilados. Y sobre nada más y nada menos que un joven policía honrado. Qué honrado, honradísimo!

A Reiji Kikukawa (Toma Ikuta) parece que su estilista le odia. En la cabeza, uno de esos tupés que solo pueden llevar Goku y compañía, los verdaderos campeones de la justícia, y sobre el cuerpo, unas ropas estridentes que hacen daño a los ojos. Este singular personaje empieza siendo despedido por indisciplinado, para acto seguido ser reclutado para infiltrarse entre los yakuzas. O eso cree él. Porque sus jefes le van poniendo prueba tras prueba para comprobar su sentido de la justícia, y las supera todas in extremis, llegando a preguntarles cuántas pruebas más tiene que pasar para ser aceptado de verdad.

Ya desde la segunda prueba queda claro que esta no es una película normal. Los fans de Takashi ya saben a qué atenerse, pero ni siquiera los más imaginativos pueden llegar a imaginarse las burradas que le llegan a pasar. Como ejemplo, la reacción del público cuando le toca beber un vino para entrar a formar parte de un clan yakuza. El objetivo es "ser uno con el vino y con el clan". El pobre sujeta el platito con el vino... se queda en blanco... y su inocencia le lleva a... reacción del público: "No...". Reacción de su amigo: "¡Sí!...". Y otra vez: "¡Nooo!...". Y otra vez "¡Síiii!"... se come el platito a mordiscos. Se ve venir. Pero no te lo esperas. Y te imaginas lo que está pensando... pero dices, no puede ser, no lo hará... pero al mismo tiempo sabes que lo hará, porque lo dirige Miike sensei. Vamos, si en "Ichimei" hizo a un samurai rajarse el abdomen con una katana de madera... lo de comerse el platito no es nada XD

Da igual lo absurda que sea la situación, le coges cariño a los personajes, pasas verguenza ajena cuando le cantan la canción del título, y sobretodo, deseas verlo más y más ultrajado, aunque acabe por los suelos con la cabeza abierta y sangrando. No importa. El manga original es así, Takashi Miike es así, y su público también es así, qué le vamos a hacer. Masoquistas, pero felices.



KUIME (YOTSUDE KAIDAN/OVER YOUR DEAD BODY)
Director: Takashi Miike
Duración: 111 min
Reparto: Kou Shibasaki, Ebizô Ichikawa, Hitomi Katayama, Ikkô Furuya, Hideaki Itô, Toshie Negishi, Hiroshi Katsuno, Miho Nakanishi.

Descubrí Yotsuya Kaidan, la historia japonesa de fantasmas más famosa, de la mano del detective de lo imposible, camuflado de boticario, de la magnífica serie de anime "Ayakashi: Samurai Horror Tales".







El original, una obra de kabuki escrita en 1825 por Tsuruya Nanboku IV, es una de las historias más adaptadas al cine de la historia de Japón, y a día de hoy sigue influyendo y siendo fuente de inspiración del horror nipón.

Buena muestra de ello es que sea Takashi Miike, uno de los directores de terror asiático más famosos y adorados, quien la haya adaptado una vez más con "Over Your Dead Body" (titulada simplemente "Kuime" en Japón).

Con esta película, Miike recupera el formato más clásico del cine de fantasmas oriental, cuyo mayor encanto reside en disfrutar de los paralelismos que se dan entre los dos relatos de la historia. Por un lado, los personajes son actores de teatro que interpretan la mismísima Yotsuya Kaidan, y por otro, su vida real se empapa de los hechos de la propia obra. En ambas realidades se gesta un adulterio, una doble traición y la venganza de una mujer enamorada que traspasa los límites de la realidad.

Los fans más sádicos de Miike verán satisfechos sus deseos en unas escenas efectistas que ponen piel de gallina. El maestro del horror presenta un estudio complejo sobre un tema tan universal como los celos y la venganza dentro de un decorado de cartón-piedra como lugar donde se levanta la frontera entre la realidad y la ficción. Una apuesta que se decanta mucho más por lo psicológico que por lo visceral.
"Over Your Dead Body" es la nueva declaración de amor de Takashi Miike al folklore tradicional de Japón, y un ejercicio de contención en el que plantea una visión tan hipnótica como sugerente.


SHINCHOZOMBIMANHWA (MAD SAD BAD 3D)
Directores: Han Ji-seung (I Saw You), Kim Tae-yong (Picnic), Ryoo Seung-wan (Ghost)
Duración: 111 min
Reparto: Park Ki-woong, Nam Kyu-ri (I Saw You); Kim Soo-an, Park Mi-hyen, Yu Gi-seong (Picnic); David Lee, Park Jung-min, Sohn Suh-yun (Ghost)

Desde siempre me han encantado esas películas con tres historias independientes, prepararme para vivir aventuras por triplicado. Desde la clásica "Creepshow", con su inolvidable guardián de la cripta, las "Historias increíbles" de Spielberg, y la magnífica "Three extremes", con nombres propios como Takashi Miike, Park Chan-wook y Fruit Chan. Y me lo cojo con más ilusión aún si es coreana, porque últimamente están que se salen.


Para este tríptico han escogido a tres directores consolidados: un conocido de Sitges, Ryoo Seung-wan (Berlin Files, The Unjust), Han Ji-seung (A Day, Papa) y Kim Tae-yong (Late Autumn, Family Ties), que nos presentan su visión particular sobre algunos de los temas habituales del género: los peligros de las nuevas tecnologías, un apocalipsis zombi muy humano, y una niña que se evade de la cruda realidad en su mundo de cómic.

Encabezando el filme se encuentra "Ghost", un impecable thriller de la mano de Ryoo Seung-wan, cuya historia da miedo de tan cercana que es, y encima basada en un hecho real: dos adolescentes respondieron a la petición de Ghost -una chica a la que habían conocido a través de las redes sociales- para algo tan inocente como... matar a su novio. Procediendo de uno de los países con más desarrollo y presencia tecnológica del mundo, es admirable cómo han puesto en escena esas fuertes relaciones virtuales / platónicas y el lugar que ocupan los móviles en la vida de los coreanos (y no coreanos), plasmando a la perfección esa banda sonora diaria repleta de sonidos y vibraciones. Asimismo el uso del 3D expresa magníficamente el avasallador estrés de recibir constantes mensajes.

Como "relleno" de este sandwich viene "I Saw You" de Han Ji-seung, un corto también cercano y extrañamente divertido: una historia de zombies diferente. En un futuro incierto, los muertos vivientes se ven relegados a una especie de proletariado esclavo, donde racismo y abuso de poder no se van a disociar para un final feliz. Es impagable ver a los zombies desempeñando sus tareas en una fábrica y lo que le puede pasar al jefe si les pega la bronca.


Y para el broche final, un mundo que nos encanta, el fantástico mundo de los cómics. Con una niña de ocho años como única protagonista (igual que en la mítica "Dentro del laberinto" y la maravillosa "El laberinto del fauno"), Kim Tae-yong presenta "Picnic", una bellísima obra de arte. La vida de esta niña gira en torno al cuidado de su hermano autista, una realidad entristecedora de la que huye escondiéndose bajo una sábana y leyendo cómics románticos sobre cuentos de princesas. Un 3D delicioso realza este mundo imaginario, lanzando pájaros hacia la cámara que no podemos evitar esquivar como si fuéramos críos. Y tomad nota de esta niña porque su talento le valió el premio a mejor nueva actriz en los Wildflower Film Awards, unos premios a las películas coreanas independientes y low-cost.

Mad Sad Bad 3D ha sido un hito cinematográfico, ya que utiliza el 3D para tener mayor efecto sobre el espectador. Fue la película de apertura del 15º Festival Internacional de Cine de Jeonju. Está producida por KAFA (Korean Academy of Fine Arts, Academia Nacional de Cine de Corea, actualmente la mejor escuela de cine del país, que cuenta con el mayor número de directores debutantes en la industria, y cuyo rigor y excelencia son de dominio público). En el Festival de Sitges de este año fue galardonada con el premio Focus Àsia.


KAWAKI (THE WORLD OF KANAKO)
Director: Tetsuya Nakashima
Duración: 117 min
Reparto: Kôji Yakusho, Nana Komatsu, Satoshi Tsumabuki, Jô Odagiri, Fumi Nikaidô, Miki Nakatani, Ai Hashimoto, Jun Kunimura, Asuka Kurosawa.

Fui a ver esta película por el título, y la sorpresa fue mayúscula. Yo esperaba ver algo infantil, lleno de ideales, esperanza, paz, amor... y me encuentro con drogas y prostitución infantil. Eso me pasa por no mirar de quién era. Ah, el de Kamikaze girls. Ah, el de Memories of Matsuko. Ah, el Confessions. Uf, vaya peliculones. Tetsuya Nakashima, tengo que memorizar este nombre. Basada en una novela de Akio Fukamachi... este se me va a olvidar. Nadie quería adaptar su novela hasta que la pilló este director. Ole.

Un detective de policía problemático recibe una llamada de su ex mujer para que busque a su propia hija, desaparecida sin dejar rastro. El pobre se imagina que su hija es como la imaginaba yo por el título: la típica adolescente feliciana sin problemas y que saca muy buenas notas (pst, si conocéis a alguna, presentádmela). Pero a medida que va entrevistando a sus amigos descubre un lado oscuro, muy oscuro, infernal, aterrador, y cada vez más asfixiante. Su hija pasa de ser una agradable compañía a ser un monstruo sin sentimientos ni posibilidad de redención.

¡Puf! Suerte que estaba de buenas. Me llega a pillar en un día malo y salgo del cine llorando. La hija de **** es tan mala que podría funcionar como metáfora de la crisis de valores occidental. "Pero bueno, ¿que no es una peli japonesa?". Sí, claro, pero el capitalismo llega a todas partes. De hecho es en sitios como Japón donde se dan los contrastes más fuertes. Unas tradiciones preciosas y unos vicios aberrantes. "Y nuestras tradiciones, ¿qué? ¿no son bonitas?". Prefiero las japonesas, mil perdones. Ellos tendrán de qué avergonzarse, pero nosotros... en fin. Ni padre ni hija son entrañables, de hecho dan asco los dos, aunque el padre al menos da un poco de pena. Vale la pena mencionar los flashbacks donde aparece Kanako. Son superguais, con dibujitos sobreimpresionados, la fiesta ideal cuyas fotos cuelgan orgullosas del facebook. El contraste es perfecto, y a medida que conocemos a Kanako, se hacen cada vez más desagradables.

Yo diría que esta película es imprescindible. Bueno, lo diría de todas las de este director, a ver si me aprendo ya su nombre. Es muy necesario poner las cosas en su sitio y destacar la doble moral que rodea nuestra cotidianidad. El mal siempre ha estado ahí, en todas partes. Ponerle una cara dulce es un toque de genialidad. Y nadie más dulce en nuestras mentes que una adolescente japonesa de las que salen en televisión.



RUROUNI KENSHIN,
KYOTO INFERNO
RUROUNI KENSHIN,
THE LEGEND ENDS
Director: Keishi Ohtomo
Duración: 139min, 135min
Reparto: Takeru Sato, Emi Takei, Tatsuya Fujiwara, Kaito Oyagi, Kazufumi Miyazawa, Min Tanaka, Maryjun Takahashi, Ryosuke Miura, Yû Aoi, Ryunosuke Kamiki, Yosuke Eguchi, Yukiyoshi Ozawa, Yusuke Iseya, Munetaka Aoki, Masaharu Fukuyama, Nayuta Fukuzaki, Tao Tsuchiya.

Hace dos años pudimos ver aquí, en el Festival de Sitges, la esperada adaptación a imagen real del manga de Nobuhiro Watsuki: Rurouni Kenshin, que aún con sus pequeños fallos de guión fue una muy buena película, así que como fan del manga no podía perderme este pase doble con las dos que terminan de adaptar el arco de Kyoto. El resultado, sin ser malo, es irregular.

"Rurouni Kenshin, Kyoto Inferno", arranca donde finaliza la anterior. Pasado un tiempo, el dojo Kamiya cuenta ya con algunos alumnos, aunque muchos de ellos han acudido atraídos por la idea de que Kenshin pudiera enseñarles el arte de la espada. La vida es tranquila y todos se han hecho grandes amigos. Sin embargo, un día los oficiales del gobierno acuden al dojo para hacerle una petición a Kenshin, pues algo turbio se está cociendo entre las sombras de Kyoto: Makoto Shishio, el "sucesor" de Kenshin en los asesinatos clandestinos durante la guerra y al que se consideraba muerto, ha resurgido con un ejército privado y está haciendo tambalear los cimientos de Japón con sus actos terroristas. Kenshin solo acepta la misión cuando, tras el asesinato del ministro Toshimichi Okubo, comprende la gravedad de la situación.
Pero, ¿será capaz de detener a su némesis y cumplir su promesa de no volver matar?

En "Rurouni Kenshin: The Legend Ends" la historia continua tal cual acaba en la anterior: alguien ha salvado a Kenshin de morir ahogado y despierta en la cabaña de su maestro, Seijuro Hiko. El paradero de Kaoru es desconocido y Shishio ha desvelado su arma secreta, el Rengoku: un navío de guerra descomunal con el que pretende chantajear al gobierno para lograr sus exigencias... entre las que se encuentra entregarle vivo o muerto al samurai de la cruz en la mejilla. Mientras tanto, Kenshin ha tomado una decisión: necesita ser más fuerte para enfrentarse a Shishio, pero también para evitar volver a ser Battosai el Asesino. Para ello le pedirá a su maestro que finalice el entrenamiento y le enseñe el golpe final de la escuela Hiten Mitsurugi.

Después del éxito de la primera parte, era cuestión de tiempo que adaptaran el arco de Kyoto, uno de los más queridos por los fans, y en 2014 por fin terminó la espera. "Kyoto Inferno" sigue la senda de la primera película, con una banda sonora apabullante compuesta por Naoki Satou (Sword of the Stranger, Blood-C, Space Battleship Yamato), escenarios y ambientación excepcionales, y escenas de acción muy bien coreografías y más abundantes. A nivel de historia es más fiel que la primera, y por fin aparece el personaje de Aoshi Shinomori (Yûsuke Iseya), que se echaba de menos en la primera parte, pero al surgir de la nada tiene un motivo distinto para vengarse de Kenshin Himura (Takeru Satô) del que tenía en el manga, con lo que su personaje pierde fuerza y no es tan interesante. Pero aparte de eso, la película se disfruta de principio a fin y contiene escenas memorables, como la lucha de Aoshi contra Okina y la lucha final en Kyoto.

Tristemente, en "The Legend Ends" comienzan aparecer problemas de guión. Sigue con el argumento de "Kyoto Inferno", pero se omiten muchas partes del manga, y otras solo se tocan de refilón, como los 10 espadas, que en la película no hacen nada mientras que en el manga son de vital importancia, y solo vemos luchar a un par de ellos. Sanosuke Sagara (Munetaka Aoki) se comporta como un cateto, ya no representa al magnífico luchador que recordaba del manga. Kaoru Kamiya (Emi Takei) y Yahiko Myojin (Kaito Ohyagi) casi no intervienen. A cambio, la película ofrece momentos espectaculares, como la lucha de Kenshin contra Sôjirô Seta (Ryûnosuke Kamiki) en el Rengoku, o la épica batalla contra Makoto Shishio (Tatsuya Fujiwara).

Para terminar solo decir que si bien "Rurouni Kenshin: The Legend Ends" no es una adaptación perfecta, y pasa de algunos personajes clave, y se salta partes de la trama original, en sí es una buena película, y un buen cierre del épico arco de Kyoto.


TOKYO TRIBE
Director: Sion Sono
Duración: 116 min
Reparto: Ryôhei Suzuki, Young Dais , Mika Kanô, Takuya Ishida, Ryûta Satô, Riki Takeuchi, Akihiro Kitamura, Shôko Nakagawa, Shôta Sometani, Yôsuke Kubozuka, Hideo Nakano, Yui Ichikawa, Denden, Yoshihiro Takayama.

Maratón sorpresa de Sitges. Nervios, emoción, suspense... ¿qué será?, ¿qué será? ¿La última sensación de la Berlinale como Ponyo?... ¿Una ópera prima descomunal como The Chaser?... ¡Dios mío! ¡Una de Sion Sono! ¡Se han vuelto locos! ¡Esto tiene que ir a la sección oficial! Espera, no. El que se ha vuelto loco es él... esto es un musical. Sale un rapero hablándole a la cámara... nos habla de las bandas criminales de Tokyo y lo siguiente que ves es un "mapa" de la ciudad silueteado con un cuchillo sobre el torso desnudo de una joven policía insensata. O sea, la capital está controlada por niñatos engreídos y la poli allí no se mete. Y si se mete, pringa.

Uau. No solo es un musical. Los técnicos de sonido del auditorio tuvieron el detalle de poner los altavoces al máximo. Esta película no es para verla en casa. Era la una de la madrugada, y la verdad es que me caía de sueño y de nervios (empezó con retraso), pero al cabo de media hora de leer subtítulos uno tras otro y flipar con cada nueva escena y con la música a todo trapo, la cosa era "vaaale, ya estoy despieeeerto". No es que el argumento sea difícil de seguir. Es de noche, y unos proxenetas secuestran a chicas en la calle para sus prostíbulos (¿he mencionado que la poli aquí no existe?), pero se les ocurre secuestrar a una chavalita que se pasa todo el rato catatónica... hasta que están a punto de llevársela a una habitación. Y entonces resulta que no solo habla. Pega unas hostias como panes. Y vaya hostias, es una artista marcial de tomo y lomo. Y su hermanito igual (que se cuela a hostias en la furgoneta cuando la secuestran). O sea, musical y artes marciales. Delirante. Por si fuera poco, incluye escenas cómicas exageradísimas, como el hermanito haciendo piruetas con los pies para mover una llave y abrir una cerradura o la escena final de los baños públicos.

Ya vimos el cariño que le tiene este señor al género de las tortas en Love exposure. Allí las peleas eran graciosas, pero aquí van a matar, y pega hostias hasta el apuntador. Y la sorpresa definitiva: el malo. La verdad es que yo no me di cuenta hasta que salió su nombre en los créditos. Me refiero a los subtítulos. Solo apareció un nombre: Ryohei Suzuki, provocando una ovación en la sala. ¡¿Quéeee?! ¡¿Pero qué hace aquí Hentai Kamen?! ¡Si lleva menos ropa todavía! Se pasa TODA la película solo con un slip dorado. Y encima es la némesis del prota. Ah, pero ¿no era la chica?. Sí, la chica es la excusa para mostrarnos el panorama de la ciudad, pero el conflicto viene de la mano de Kai, el flamante nuevo líder de uno de los clanes. Mera (Ryohei, repito, Ryohei Suzuki con un slip dorado y una katana) quiere matar a Kai para iniciar una guerra entre clanes, pero en lugar de eso mata a Tera, alguien a quien todo el mundo le tiene cariño. Esto lleva a los clanes a unir fuerzas contra Mera y su padre... que no sabrías decir cuál de los dos está peor de la cabeza.

Y ¿os podéis creer el genio de Sion Sono al hacer una película de guerra para cargar contra ella y glorificarla al mismo tiempo? Carga contra ella cuando se descubre el motivo real de Mera (...que Kai la tiene más larga. Sí sí, en serio). Y la glorifica al mismo tiempo durante la conclusión: pelearse van a estar peleando siempre. Pero ya no habrá más muertos. Ya no se peleará por el territorio, sino por gusto, porque ese es el motivo real por el que se pelean todos los jóvenes... hay que tenerlos cuadrados para decir esto. Por cierto, el que hace de Kai es el encargado de las letras, y es un cantante, que si no me falla la memoria se hace llamar Dais.


THE RAID 2: BERANDAL
Director: Gareth Evans
Duración: 148 min
Reparto: Iko Uwais, Arifin Putra, Alex Abbad, Oka Antara, Tio Pakusodewo, Julie Estelle, Cecep Arif Rahman, Cok Simbara, Yayan Ruhian.

Mereció la pena arriesgarse con el maratón sorpresa de fin de fiesta de este año, porque aparte de ver la surrealista, psicodélica y rapera "Tokyo Tribe" de Sion Sono y la visceral "Let Us Prey" de Brian O'Malley, la segunda en proyectarse fue la esperadísima secuela de la mejor película de acción en décadas "The Raid 2: Berandal".





Tan solo dos horas después de los sucesos de 'The Raid', el policía Rama (Iko Uwais) es obligado por el departamento de asuntos internos a arriesgar su vida para proteger a su familia. Haciendo gala de su astucia y de sus habilidades en combate, se infiltra en secreto en el grupo de crimen más despiadado de la zona, al que ni siquiera la policía normal se atreve a hacer frente. Lo único que puede hacer es integrarse como si fuera uno más, peleando y sangrando, para parecer un auténtico salvaje dispuesto a todo. Una vez dentro, utilizará sus nuevos contactos para destapar la corrupción que ha infectado su propia unidad policial.

La primera parte, "The Raid", fue una película que, si bien no destacaba por su argumento, nos dejó boquiabiertos por el increíble aprovechamiento de su único espacio: un edificio en el que se sucedían una serie de peleas extremadamente dolorosas y excepcionalmente coreografiadas. Para la segunda parte, Gareth Evans vuelve a reunir parte de los actores originales (o más bien los que sobrevivieron xD), incluyendo a los formidables Iko Uwais (Rama) -practicante profesional de "Silat Betawi", el arte marcial de la película- y Yayan Ruhian (Prakoso) -entrenador de "Pentjak Silat"-, que trabajó como instructor de lucha cuerpo a cuerpo de las Paspampres - las fuerzas de seguridad presidenciales de Indonesia-, así como del cuerpo nacional de policía militar. En esta segunda parte Ruhian interpreta un papel distinto, por razones obvias para los que hayan visto la primera. Evans nos propone una historia más bien tramada y compleja, enfocada en el enfrentamiento entre bandas mafiosas (como en la saga "Infernal Affairs" de Andy Lau), justificando así toda la acción y sumergiéndonos rápidamente en la película. Los encargados de las coreografías son el propio Evans y Yayan Ruhian, entre otros. Las exigencias propias del género de acción se hacen patentes en las más de 19 escenas de lucha de la película, llegando al extremo de pasarse seis semanas para preparar la pelea de las cocinas, donde los actores hacían la mayoría de las escenas sin dobles, y más concretamente, durante la persecución de coches, en la Iko Uwais realizó él mismo las escenas más peligrosas en la carretera, demostrando un grado de implicación nunca visto hasta ahora en el cine de acción occidental.

Después de "Merantau", la anterior película de Evans y Uwai, sus productores empezaron a trabajar en un proyecto llamado "Berandal" (que en Indonesio significa "matones"), una película de pandillas de prisión a gran escala. Hicieron un teaser trailer, pero el proyecto se volvió más complejo, y requería mucho más tiempo del previsto. Tras un año y medio se quedaron sin fondos y tuvieron que simplificar la historia. La llamaron "Serbuan Maut" ("The Raid") y así surgió la primera película.
Mientras creaba el guión de "The Raid", Evans consideró enlazarlo con el de "Berandal". Después del estreno se confirmó que el proyecto inicial seria "The raid 2". Queda patente que Gareth Evans es el mejor director de cine de acción del panorama actual, oxigenando el cine de este género.





Bueno, hasta aquí el reportaje dedicado al Festival de Sitges 2014. Agradezco al mismo permitirme asistir y que hayan traído tantas películas de calidad, que de otra forma serían imposibles de ver en pantalla grande. Nos vemos el año que viene, mata ne ^^

David.J
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